deconarch

More than any other structure, the grid determined the art of the 20th and 21 Century. Yet while the modernist avant-garde has been extensively researched in this regard, the importance of the grid in the arts since 1945 was never shown in am overview. The Stuttgart exhibition tries to close this gap and describes the importance of the grid in the art collection of around 50 artists.

Among the artists presented is Annett Zinsmeister with an impressive spatial installation.

Reinhard Voigt, Porträt A.H., 1969, Foto: Studio Schaub, Köln, © Reinhard Voigt

Rasterfahndung. Das Raster in der Kunst nach 1945

Kunstmuseum Stuttgart

5.5. – 7.10.2012

www.kunstmuseum-stuttgart.de

MIT: Carl Andre, Frank Badur, Horst Bartnig, Thomas Bayrle, William Betts, Enrico Castellani , Michiel Ceulers, Chuck Close, Gianni Colombo, Dag Przybilla DAG, Hanne Darboven, Günther Förg, Katharina Gaenssler, Karl Otto Götz, Eva Grubinger, Raymond Hains, Mona Hatoum, Katharina Hinsberg, Jürgen Klauke, Michael Klier, Attila Kovacs, Christina Kubisch, Sol LeWitt, Roy Lichtenstein, Max H. Mahlmann, Agnes Martin, Pia Maria Martin, Gerold Miller, Manfred Mohr, François Morellet, Sarah Morris, Carsten Nicolai, Chris Oakley, Sigmar Polke, Gerhard Richter, Peter Roehr, Fiene Scharp, Astrid Schindler, Jan J. Schoonhoven, Tina Schulz, Tim Stapel, Esther Stocker, Günther Uecker, Timm Ullrichs, Reinhard Voigt, Simone Westerwinter, Christopher Wool, Annett Zinsmeister, Heimo Zobernig, Beat Zoderer

Installation Annett Zinsmeister (c) SK

PR-Text: Das Raster bestimmt wie keine andere Struktur die Kunst des 20. und 21. Jahrhunderts. Für die Avantgarde, für Piet Mondrian oder die Bauhaus-Bewegung, ist dies weitreichend erforscht; die Bedeutung des Rasters in der Kunst seit 1945 hingegen wurde noch nie im Überblick dargestellt. Die Ausstellung schließt diese Lücke und beschreibt die Bedeutung des Rasters in der Kunst am Beispiel von rund 50 Künstlern. Dabei lassen sich zwei große Stränge herausarbeiten: In der konkret-konstruktiven Kunst wird das Raster wegen der formalen Strenge und als Wiederholungsprinzip geschätzt. Parallel dazu begreifen Künstler wie Sigmar Polke oder Roy Lichtenstein das Raster als gesellschaftliches Muster, das der Medienwelt, der Architektur, dem Städtebau oder der Datenerfassung zugrunde liegt. Viele junge Künstler wie Esther Stocker, Sarah Morris, Michiel Ceulers und Tim Stapel unterscheiden heute nicht mehr zwischen diesen beiden Ansätzen, sondern sind von dem immensen gestalterischen Potenzial der Rasterstruktur fasziniert.

Besides Annett Zinsmeister’s installation, some other works are interestig form an “ARTitecture” point of vies:

Katharina Gaenssler’s huge wall collage, Esther Stocker’s spatial installations, Astrid Schindler’s “wall painting” as well as the “more classical” works by Sarah Morris, Günther Förg and Gianni Colombo’s Spazio elastico.

Info + illus. courtesy Kunstmuseum Stuttgart

Dutch artist Jeroen Molenaar (1979) ‘s multifaceted work is situated on the edges of arts, design and architecture. Working with sculptures, photography and sculptures, it is the “architectural” that links all these media in his work, says Molenaar.

Reflection

Having studied architectural design / interior-architecture at the CABK ArtEZ Academy in Kampen (NL), Molenaar decided to work as an artist after his graduation. A fascination for construction as it is significant in our everyday world, is the basis for his work, raising questions of public space and its infrastructure, of boundaries between functionality and the autonomy of an object, forms and structures.

His work “Vertical Landscape”, a sculpture made of wood which can be fixed on the wall like a spatial drawings,  has been selected for the III Moscow International Biennale for Young Art 2012 at the Moscow Museum of Modern Art.

On deconarch.com, Jeroen Molenaar shares the motivation of his artistic work, his interests and how architecture influences his approach.
 
 

all images (c) Jeroen Molenaar, www.jeroenmolenaar.com

 
 
INTERVIEW

Vertical Landscape

You studied architectural design / interior architecture, but then chose to work as an artist. Why?

At the time of my study, I wanted to be an architect and read a lot about architecture. I was fascinated by the avantgarde architects like; Zaha Hadid, Daniel Libeskind, UN Studio and Herzog & de Meuron. Those architects who made buildings like sculptures. The way they create space is fascinating. There lies my fascination about dynamic shapes and lines, too.

After my bachelor degree I rented a studio and since then I was hooked by the freedom of an artist. I can make my own work without compromise and that’s a freedom which an architect never has. So I still make architectural related work. Spaces. But now with the freedom in size, material and construction.

Your work is architecture-related – can you tell us a little more about it? What are you interested in?

I work on projects which are situated on the edges of arts, design and architecture. The “architectural” is the link in all of my work and expresses itself in sculptures, photography and paintings.

Red

The tension is created by contrasts and opposites in colour, form and material. I also use the different art disciplines to accentuate this tension.

I’m always searching for dynamic shapes and lines.

They must be objects that intrigue and fascinate, that play with the rules of gravity and construction, that are photogenic and sometimes functional. I research a lot with scale models and metal thread models. By using metal thread, the models create a “line-drawing” that can be read as a spatial drawing.

Then I am also interested in compelling infrastructure dominating the public space. In my work I question the boundaries between functionality and autonomy, I always begin with the autonomy of the object. Function is not a principle but a side issue for me. In my paintings and photographs, you can see the link of architecture and public space. Composition, patterns and lines can be seen, a connection exists between the two-dimensional work and spatial objects. The construction determines the shape of my work. I play with gravity. In each completed artwork, is the seed sown for a new work.

How does architecture influence your artistic work?

I am fascinated by architecure. It influences my work in all kind of ways. Architectural drawings can be linked to my work and I like the constructive part of architecture. How things are constructed, how one thing is related to another. I like to play with gravity and construction like architects do.

Reflection (Installation)

In the built, constructed world around me.

You work with a broad range of media. Which materials do you prefer to work with and why?

I am influenced by Constant Nieuwenhuys. He made a project called ‘New Babylon’. With this project he combined maquettes, sculptures, paintings and collages. From one focus he used different media to work with. That’s also what I am doing. I “build“ drawings/collages, paintings, photographs and sculptures. As an artist Nieuwenhuys worked like an architect. I work the other way round.

How is your working process?

It depends on what I do. For sculptural work I start with making a small drawing and translate it into a small object made of metal thread. Then I enlarge it into a bigger object. It’s important to keep the tension from the drawing in the object. The tension is crucial.

Apart from Nieuwenhuys, are there other role models and influences inspiring your work?

There are many inspirations. The exhibition at the Gemeentemuseum (The Hague) of „Constant about New Babylon“ (Ode to Constant, 2005-2006) had a huge impact. Last year the exhibition of J.-M. Basquiat in Paris was very interesting as well.

Then painters like Constant Nieuwenhuys, Franz Kline, J.-M. Basquiat, David Schnell or Koen van der Broek, the architects I mentioned earlier. Photographers like Andreas Gursky, Edward Burtynksy or Saul Leiter …

Horizon 3

At the time of writing I am busy with a new series of paintings. And some new ideas of for wall objects.

In your own words: What is characteristic of your work?

Zaha Hadid wrote about her 89 degrees that the idea of an oblique angle is much stronger then a rectangle. For example, a cube is more interesting when you see it in perspective.

In mostly all of my work you can see the 89 degrees. The oblique angle is the basic element in my work.

 Jeroen Molenaar, thanks for sharing your work!

Katharina Gaenssler divides reality into thousands of parts. For her wall collages, she photographs spaces in a grid from top to bottom and from left to right, the camera fixed on a tripod, which she moves repeatedly. The results of this photographic analysis get transformed into large-scale wall installations like a stunning tapestry that develops a false sense of closeness to things.

Foto: Volker Hanuschke, (c) Kunstverein Hildesheim

Katharina Gaenssler: Turmzimmer
14. April 2012 – 27. Mai 2012
Kunstverein Hildesheim

PR-Text: Katharina Gaenssler zerlegt die Wirklichkeit in tausende von Teilen. Für ihre Wandcollagen erfasst sie Räume wie in einem Raster von oben nach unten und von links nach rechts. Ihre Kamera ist dabei auf einem Stativ fixiert, das sie mehrfach versetzt. Die Ergebnisse ihrer fotografischen Analysen synthetisiert sie in raumgreifenden Wandinstallationen zu überwältigenden Bildteppichen, die eine trügerische Nähe zu den Dingen entfalten. Als Betrachter gewahren wir Zusammenhänge und Details, die unserer Aufmerksamkeit in der Alltagssituation entgehen. Die Rauminstallationen lassen uns das Sehen neu entdecken. Dabei erwecken die Collagen, deren Referenzen vom Panorama des 19. Jahrhunderts bis zum Digitalen Zeitalter reichen, den Schein visueller Verfügbarkeit. Tatsächlich werden an den Bruchstellen der Bilder vor allem die Bedingungen des fotografischen Mediums sichtbar.

Aufbau der Ausstellung

Für die Ausstellung »Turmzimmer« hat Katharina Gaenssler die zum Bersten gefüllte Einraumwohnung eines postmodernen Eremiten in den Kehrwiederturm transformiert. Der private Raum, den Katharina Gaenssler im März 2006 in München fotografiert und seither an mehreren Orten rekonstruiert hat, schreibt sich in das Turmzimmer ein und weckt neue Assoziationen, die vom mönchischen Studierzimmer bis zu Grimms Märchen reichen.

Katharina Gaenssler ist 1974 in München geboren und hat nach einer Ausbildung zur Silberschmiedin an der Akademie der Bildenden Künste in München studiert. Für ihre Arbeiten hat sie zahlreiche Stipendien, Preise und Auszeichnungen erhalten. Aktuell ist sie Stipendiatin des Dorothea Erxleben Programms an der HBK in Braunschweig.

Info + illus. courtesy KV Hildesheim

The SCHIRN KUNSTHALLE will present a new work by German-Iranian artist Bettina Pousttchi specifically designed for the exterior of the SCHIRN. Similar to her well-received installation Echo (2009–10) in Berlin—where she resurrected the just demolished Palast der Republik (the former East German parliament building) in the form of a monumental photo installation applied to the facade of the Temporäre Kunsthalle (Temporary Art Hall)—her Frankfurt piece will likewise cover a large portion of the building facade. Via her subject Pousttchi actively engages with the SCHIRN’s architecture and its historical and urban context. Serving as a basis of the work are the artist’s own photographs, which she adapts and manipulates. In their interlinking of architecture, sculpture, and photography Pousttchi’s monumental photo installations broaden the traditional understanding of photography. They examine the question of how to approach urban space and memory while at the same time exploring the temporal dimension of architecture.

Bettina Pousttchi Framework Simulation Rotunde/Detail Commissioned by Schirn Kunsthalle Frankfurt © Courtesy Bettina Pousttchi/Buchmann Galerie Berlin © Foto: Bettina Pousttchi

Bettina Pousttchi | Framework

19. April – 17. Juni 2012

SCHIRN KUNSTHALLE FRANKFURT
www.schirn.de

DIE DEUTSCH-IRANISCHE KÜNSTLERIN BETTINA POUSTTCHI HINTERFRAGT MIT EINER MONUMENTALEN FOTOINSTALLATION ARCHITEKTUR IM URBANEN KONTEXT

Bettina Pousttchi Framework Installationsansicht Rotunde © Schirn Kunsthalle Frankfurt 2012 Foto: Norbert Miguletz

PR-Text: Die Schirn Kunsthalle präsentiert die eigens für deren Außenbereich konzipierte neue Arbeit „Framework“ der deutsch-iranischen Künstlerin Bettina Pousttchi. Ähnlich wie bei der viel beachteten Installation „Echo“ (2009/10) in Berlin, wo Pousttchi an der Fassade der Temporären Kunsthalle den kurz zuvor abgerissenen Palast der Republik in Form einer monumentalen Fotoinstallation auferstehen ließ, wird ihre Frankfurter Arbeit großflächig auf die Fassade des Hauses appliziert. Für „Framework“ entnimmt Pousttchi die Fachwerkelemente zweier Gebäude am Frankfurter Römer aus ihrem Zusammenhang der ursprünglichen Fassade und rekombiniert sie in jeweils 1×1 Meter messenden Modulen zu einem Ornament, das sich unendlich wiederholt und die Gesamtansicht der Schirn harmonisch rhythmisiert. Die großflächigen Fotoinstallationen der Künstlerin erweitern das traditionelle Verständnis von Fotografie, indem sie Architektur und Fotografie miteinander verbinden. Sie thematisieren die Frage nach dem Umgang mit dem urbanen Raum und der Erinnerung sowie nach der zeitlichen Dimension von Architektur.

Die Ausstellung wird ermöglicht durch die SCHIRN ZEITGENOSSEN.

Bettina Pousttchi Framework Installationsansicht Ostfassade © Schirn Kunsthalle Frankfurt 2012 Foto: Norbert Miguletz

Bettina Pousttchi, geboren 1971 in Mainz, lebt und arbeitet in Berlin. Sie studierte an der Kunstakademie Düsseldorf und ist Absolventin des Whitney Independent Studio Program in New York. Ihre Fotoarbeiten, Videos und Skulpturen werden seit Ende der 1990er-Jahre international ausgestellt, unter anderem in Gruppenausstellungen im TENT Rotterdam, in der Lewis Glucksman Gallery, Cork, dem Martin-Gropius-Bau, Berlin, dem Museum on the Seam, Jerusalem, der Kunsthalle Detroit, dem Centro Cultural Recoleta in Buenos Aires sowie der Schirn Kunsthalle Frankfurt in Rahmen der Ausstellung „Die Jugend von heute“ (2006). Neben Einzelausstellungen in der Von der Heydt-Kunsthalle Wuppertal (2007), der Temporären Kunsthalle Berlin (2009) und der Kunsthalle Basel (2011) nahm Pousttchi 2003 und 2009 an der Biennale in Venedig teil.

In ihren Arbeiten reflektiert Bettina Pousttchi urbane und gesellschaftliche Veränderungen unserer Zeit. Ihre Fotografien, Filme, Skulpturen und Installationen machen die fundamentalen Veränderungen der Stadtlandschaft erfahrbar. So ließ sie mit „Echo“ (2009/10) über einen Zeitraum von sechs Monaten den Palast der Republik in Form einer aus 970 Papierpostern bestehenden Fotoinstallation an der Fassade der Temporären Kunsthalle Berlin wiederauferstehen. Das Staatsgebäude der DDR war kurz zuvor nach nur 30 Jahren entfernt worden, um Platz zu schaffen für die Wiedererrichtung des Berliner Stadtschlosses, das wiederum 1950 abgerissen wurde. Mithilfe von Architektur installierten so drei politische Systeme innerhalb von weniger als sieben Jahrzehnten am Schlossplatz ein Symbol für ihre jeweilige Gegenwart. Die Künstlerin führte vor Augen, wie schnell Architektur die ihr zugeschriebene Bedeutung verlieren kann und hinterfragte, wie ein Ort wahrgenommen wird, der im kollektiven Gedächtnis verankert ist, und welche Rolle dokumentarische Fotografie zwischen persönlicher Erinnerung und offizieller Geschichtsschreibung spielt.

Eine ähnlich komplexe Situation bietet sich der Künstlerin nun als Ausgangspunkt bei der Gestaltung der Fassade der Schirn Kunsthalle. Auf dem unmittelbar benachbarten Areal zwischen Dom und Römer wird derzeit die zerstörte Altstadt teilweise rekonstruiert. Ein über Jahrhunderte homogen gewachsenes städtebauliches Gefüge wurde zu großen Teilen im Zweiten Weltkrieg zerstört; erhaltene bzw. teilzerstörte historische Bauten wurden abgetragen und in den 1970er-Jahren durch das Technische Rathaus ersetzt. Der massive Betonbau mit seiner zeittypischen Architektur sollte nur 35 Jahre Bestand haben. Nun sollen einzelne historische Bauten rekonstruiert und in Einklang mit Neubauten gebracht werden, die sich in ihren Kubaturen und Materialien historischen Bauformen anzunähern haben.
Damit einhergehen grundsätzliche Fragen: Welche Geschichte wird hier zu welchem Zweck und von wem rekonstruiert? Wie lang ist die Halbwertszeit von Architektur, und wer entscheidet darüber, wann diese endet?

Bettina Pousttchi greift Fragen dieser Art mit ihrer monumentalen Fotoinstallation „Framework“ auf, bietet aber auch einen Kommentar zum Gebäude selbst, dessen Fassade sie bespielt. Die Schirn ist ein postmoderner Bau, der 1986 eröffnet wurde und das Areal Dom-Römer zum Main hin abschließt. Für „Framework“ hat Pousttchi Bildarchive gesichtet und über ein Jahr lang die Schirn und ihre unmittelbare Nachbarschaft fotografiert. Dabei hat die Künstlerin bestehende Fachwerkelemente zweier nahe gelegener Fachwerkhäuser am Römerberg – der Häuser „Schwarzer Stern“ und „Wertheym“ – aus ihrem ursprünglichen Zusammenhang genommen und mit einer an orientalischer Ornamentik angelehnten, repetitiven Struktur neu kombiniert. Der daraus entstandene schwarz-weiße Fries wird mit fotografischen Drucken auf die 64 Fenster der Schirn-Rotunde sowie auf die 67 Fenster der gesamten Ostfassade der Kunsthalle appliziert. Das Haus „Schwarzer Stern“ stammt mit seiner fensterreichen Fassade und dem üppigen Fachwerkschmuck ursprünglich aus den 1650er-Jahren. Wie die meisten Gebäude der Altstadt wurde auch der „Schwarze Stern“ bei den Bombenangriffen 1944 zerstört und zusammen mit der Ostzeile des Römers, dem Samstagsberg, 1983 rekonstruiert. Dagegen gehört das „Haus Wertheym“ zu den wenigen Bauten, die die Bombenangriffe überstanden haben.

Info + illus. courtesy SCHIRN

In der Reihe Screenings – Filme zu architektonischen Fragen aus künstlerischer Sicht – zeigt die BDA Galerie in Berlin-Charlottenburg den Film „Get Carter“ (1971).

GET CARTER (1971)
Regie: Mike Hodges
Darsteller: Michael Caine, Ian Hendry, Britt Ekland
Warner Bros. Pictures 

Donnerstag, 10. Mai 2012, 21 Uhr
BDA Galerie Berlin
www.bda-berlin.de

PR-Text: Der Film verdeutlicht die bereits zeitgenössische, kritische Sicht auf die Architektur des Brutalismus und formuliert, im Gegensatz zu den urbanen Strukturen des ursprünglichen Nord-Englands, ein auch heute noch gängiges Bild des sozialen Verfalls in der Metapher des verwitternden Sichtbetons.

Als Bindeglied zwischen Spätfunktionalismus und postmoderner Gegenbewegung bildet der Brutalismus eine entscheidende Rolle in der Architekturgeschichte. Von den Anfängen in den fünfziger Jahren in Großbritannien entwickelt sich die Bauweise und Architekturauffassung des Béton Brut als wahrhafte Ästhetik der Alltäglichkeit schnell zu einem internationalen Stil, der besonders in den sechziger und siebziger Jahren als Ausdruck von urbaner Dichte im Gegensatz zu einer Funktionstrennung nach Le Corbusier gebräuchlich ist.

Sajjad Ahmed’s series “Small Round Organized Capitalist World” reflects on questions of globalization and its visualizations. The Pakistan based artist says, “the Capitalist mode of society can be described as a functionality of abstraction, considering the very naïve, preliminary ways of seeing.
In this vastness of universe, our small little world contains open spaces, current-age venues of knowledge, entertainment, consumerism, transforming into abstract claustrophobic spaces (…).“ Certainly globalization develops beliefs that assume more and more religious traits.

Schema - Museum Library (Small Round World)

Reverting to Renaissance Oculus painting, Ahmed transforms typical “globalized” and spaces, like corporate headquarters, or buildings where masses assemble, like stadiums or libraries, into geometric patterns. Watching them from afar, this vantage point puts them into perspective – reminiscent of man’s first view of Earth from outer space: American astronaut, James Irwin, an astronaut from Apollo 15, the fourth manned landing on the Moon, in July 1971, described Earth as “…an ornament hanging in the blackness of space. As we got farther and farther away it diminished in size. Finally it shrank to the size of a marble, the most beautiful marble you can imagine. That beautiful, warm, living object looked so fragile, so delicate, that if you touched it with a finger it would crumble and fall apart…”

Since 2006, Ahmed has been actively pursuing his studio practice, producing and exhibiting work. His works were shown in two solo and various group exhibitions in Pakistan and abroad. Furthermore he was one of the finalists of the Sovereign Asian Art Prize 2009, while his artwork was included in academic course-work by Hong Kong Baptist University, Hong Kong in 2008 and City University of New York (CUNY) New York, USA in 2010. Also, Ahmed have taught at Beaconhouse National University for some years and was part of a few micro-scale philanthropic projects.

In an email conversation with deconarch.com, Sajjad Ahmed explains his “Small Round World” series, what inspires him and replies to the probably most difficult question, “Why art”.

all images (c) Sajjad Ahmed

INTERVIEW

Schema - Empty Hotel Lobby (Small Round World)

Tell us more about your “Small Round World“ series – what inspired you to do it?

I have been attempting to visually translate the philosophical ideas of existentialism. It is an abstract subject to be talked or written about, so a consistent interest to visual representation of something abstract has been there as far as my practice is concerned. “Small Round World” is an attempt to communicate a subjective view of universe, its functionality as a total system and in individual lives. I have chosen the visual approach of Oculus paintings; the religious paintings from Renaissance. The choice of using a particular visual method, which was deployed originally, for visuals in a religious architectural space, provided me with a concise framework for seeing today’s time, the globalization as the new religion. The globalization is the new religion and its images its scriptures. In place of gods, this world has multiplicities of ungainly systems of businesses, governments, power entities, technology and communications. These systems/multiplicities work enigmatically, cutting across the world, encroaching our daily lives in many courses. These changes are intuitive; they are to the further side of the understanding of the immense number of people whose lives they touch.

Reality is subdued in the conception of these works. A visual assembly dictates the time, space, events…numerous interconnected representational entities are entwined together, persisted by a whole structural attitude, in order to portray reality in a descriptive manner. The world no longer decodes its own images, but subsists in their function. “Small Round World” is visual assemblage of anthropology of age of information.

What’s the core subject of your work? What are you interested in?

Schema - Library at Night (Small Round World)

There is more than one subject that I focus in my practice; those multiple subjects are like paths leading to one central area of interest, ‘Totality, Entirety, Existence…’

I choose to look at the world through a framework of globalization, significance of visual culture, transition of a 4-dimensional existence into a mortal two-dimensional pictorial surface. I am immensely interested in looking at the world in its entirety, in its system of totality through a choice of spaces from today’s life-styles from urbanity.

Where do you find your motives and topics?

Rather than finding, I discover the motives, subjects through any and every living experience that possibly grabs my attention. It could be anything from watching TV to riding a lift/escalator. The range of visual space is enormous, to ever-expanding universe, beyond the walls of void. I discover the subjects from whatever maximum number of experiences I can have in an individual short life.

You are working with the assemblage of found image material. What role does the medium play in your practice?

I am open towards choice of mediums, and ultimately the ideas define them. I have worked with photo-based mediums, video, installation, performance…The range of medium is interesting as it can involve humans as medium as well as using an auction to call it a medium and generating a statement through that.

Schema - Corporate Headquarters (Small Round World)

How is your working process?

There is no single approach towards the working process, hence no single response to the question. The working process is strictly dependent on the nature of idea. The ideas determine the process, medium, even the evolution of thought-process. On a whole, the processes so far have involved photographing, digital alteration, working with some software/electronics engineering as well as painting.

Are there role models, particularly inspiring your work?

Sure, there are specific influences like Candida Höfer, Mark Rothko, Sarah Morris, Sol Levitt … besides these individuals, a great deal of collective human efforts in exploration and transformation of universe is a tremendous inspiration. The knowledge of these developments/evolutions informs my work significantly. Also it is interesting for me to notice that a German filmmaker Tom Tykwer’s approach and the whole school of Bernd & Hilla Becher, also from Germany, are influences, are admirable.

Admittedly, it’s a difficult question, but: Why Art?

Science philosophy religion 2

This involves the privacy of extremely immediate interests/incidents and the external unstoppable influences by the bigger world, precisely.

I grew up in a scenic provincial town in Pakistan in 80s, 90s before moving to an urban locality. It is one of the major garrison towns, and as a teenager, I found myself occupied with things other than that a garrison town can offer. Now I look back and understand that it was the visuals that provided to be the sole interest point, there had to be an interest point, as long as my memory helps, be it science diagrams or newspapers I saw at home or a family member painting…a parallel interest in visuals developed before enrolling in a visual art programme, and when it came to enroll in a professional Bachelors programme, I asked myself the same question ‘Why Art’ and the answer was inherent in the question, ‘Why not’…why not, while it provided me with the greatest pleasure during my formative years…

Later, I was lucky to have found myself in the company of some very interesting artists, which include some big names today; it was a time before Pakistan showed actively on the world art map. There was a very appealing air around and of course that also contributed towards the decision.

Also the process/track-record/career is not the ends, it’s a means to finding more answers that might be there, to the question of ‘Why Art’…

Give us a little peek: What are you currently working on?

God of Small Things (III)

I am continuing with the ideas about spaces, and now its getting focused in terms of industries, life-styles … for instance, I am working on a body of work, “Science Philosophy Religion” using the visual of spaces in air-travel, spaces within the interior of human body, as well as maps.

Where can we see your work? Somewhere in Germany, too?

My work is part of various permanent collections in India, Singapore, China, USA, UK, Middle East and Europe. In Germany, I have exhibited at Hype Gallery at their New Media Festival as well as at Mueller & Plate in 2006 and 2007.

I would like to take some liberty here and deviate from your question. I have a sense of relation to Germany specially since I have done a public art project in Pakistan in collaboration with 2 German artists, exhibited there and a major part of my tutors/advisors at university included practicing/academic art-historians, artists from Germany including Sophie Ernst, Julia Ahmed, Gwendolyn Kulick, I am greatly thankful to them. I am pleased to have some great friends there.

Sajjad, thanks so much for telling us about your work!

Peter Bialobrzeski, winner of this year’s Dr.-Erich-Salomon award, has published “The Raw and the Cooked”, the continuation of  his observations about the development of Asian mega-cities. ‘Starting with the simplest, homemade vernacular architecture, based on human proportions and made with found construction materials, his photos range as far as the exorbitant planned cities of glass, steel, and concrete. Buildings rise higher and higher into the sky, more and more resources are wasted, the new unmercifully shoves aside the old. Seductively beautiful tableaux from fourteen different countries depict the kind of “progress” that triggers a sense of anxiety and trepidation. Where is all of this leading?’ (Link)
Robert Morat in Berlin, opposes these photos with works from the series “Case Study Homes”, 2009, of slum huts in Manila.

© Peter Bialobrzeski „Jakarta, 2007“ aus der Serie „The Raw and the Cooked“

Peter Bialobrzeski | The Raw and the Cooked

21. April bis 23. Juni 2012

Robert Morat Galerie – Projektraum Berlin
www.robertmorat.de

© Peter Bialobrzeski „Manila, 2008“ aus der Serie „The Raw and the Cooked“

PR-Text: Peter Bialobrzeski, in diesem Jahr mit dem renommierten Dr.-Erich-Salomon-Preis der Deutschen Gesellschaft für Photographie ausgezeichnet, zeigt neue Arbeiten aus der soeben im Verlag Hatje Cantz publizierten Serie “The Raw and the Cooked”. Peter Bialobrzeski wurde international bekannt durch seine Ausstellungsprojekte und Buchveröffentlichungen “Neontigers” (2004), “Heimat” (2005), “Lost in Transition” (2006) und “Paradise Now” (2009). Mit “The Raw and the Cooked” setzt er seine Untersuchungen über asiatische Megacitys fort, eine Betrachtung des rasanten Wachstums, des verschwenderischen Umgangs mit Ressourcen und der unbarmherzigen Verdrängung alter Strukturen im urbanen Raum. Dem gegenübergestellt werden in dieser Ausstellung Arbeiten aus Bialobrzeskis Serie “Case Study Homes” aus dem Jahr 2009 – eine typologische Serie über Slumhütten in Manila, einfachste architektonische Strukturen, aus Zivilisationsmüll gezimmerte Behausungen, eine Hommage an die Durchsetzungskraft und die Kreativität ihrer Bewohner, an ihr Streben nach einem Leben in Würde.

Peter Bialobrzeski, 1961 in Wolfsburg geboren, lehrt seit 2002 als Professor für Photographie an der Hochschule für Künste in Bremen. Er lebt und arbeitet in Hamburg.

Info + illus. courtesy Robert Morat Galerie

The spatial installation “Thaumel ins All” reacts on the model-like character of the Simultanhalle. Only moving singular architectural parts and displaying structural elements of the buliding, it playfully creates relationships between interior and exterior. The artists have (re)used nothing but things found on site.

 
 
THAUMEL INS ALL (CHORWEILER PANORAMA)
JULIO HERRERA, JAN KÄMMERLING & HANNES NORBERG

22.4. – 19.5. 2012

Simultanhalle Köln
www.simultanhalle.de

PR-Text: Thaumel ins All (Chorweiler Panorama) nimmt den Modellcharakter der Simultanhalle spielerisch auf und verschiebt lediglich einzelne bauliche Elemente. Auf diese Weise werden Innen und Außen in eine neue Beziehung zueinander gesetzt und ehemals rein architektonische Bestandteile entwickeln in ihrer neuen Setzung einen skulpturalen, ja einen malerischen Charakter. Das Besondere an der entstandenen Arbeit ist, dass sie aus fast nichts besteht, was die Künstler nicht schon vor Ort vorgefunden haben. „Wir räumen eigentlich nur um“, beschreiben die drei ihr Projekt.
Besuchern dürfte die Ausstellung schon aus der Ferne ins Auge fallen: Die Nordwand der Simultanhalle strahlt in intensivem Gelb in Richtung Chorweiler. Gleichzeitig wurde die Verkleidung des Baukörpers entfernt und bietet nun Einblicke in die Struktur der Bauweise: ein Kunstwerk aus Horizontal- und Querbalken.

A small section of the Cube-documentation by Gregor Schneider from 2004 until today will be shown at ART and PRESS Berlin. The intention of realizing the Cube-project or rather discuss it in a museological context became a victim of political / institutional censorship for the first time at the Venice Biennial in 2005 and in Berlin in 2006. The question concerning the various places the Cube was appearing and discussed since 2005 is at the centre of the presentation, as well as the question of the curatorial treatment of the idea and its aftermath.
Although Islam knows no prohibition of picturing/associating the Kaaba and although Cube Hamburg 2007 was carried out against all reservations and predjudices and proved its potential in causing peaceful dialogue, it continues to be regarded as a phantom of islamic threat and continues to circulate in the media cosmos rather uncurated.

ART and PRESS

Martin-Gropius-Bau, Berlin

Curators: Götz Adriani, Heiner Bastian, Siegfried Gohr, Peter Iden, Sir Norman Rosenthal

23.03.2012-24.06.2012

PR-Text: Es wird ein kleiner Ausschnitt der Cube Dokumentation 2004 – heute gezeigt.

Erstmals 2005 auf der Venedig Biennale und 2006 in Berlin fiel das Vorhaben das Cube Projekt zu realisieren bzw. als Idee im musealen Rahmen zu diskutieren politischer / institutioneller Zensur zum Opfer.

Im Mittelpunkt der Präsentation steht hierbei die Frage nach den unterschiedlichen Erscheinungs – und Diskursorten des Cubes seit 2005, sowie nach dem kuratorischen Umgang mit dieser Idee und seinen Folgen.

Obwohl der Islam kein Abbildungs- bzw. Assoziationsverbot der Kaaba kennt und Cube Hamburg 2007 – entgegen aller Vorbehalte und Vorurteile – als realisierte Skulptur im öffentlichen Raum sein friedliches Dialogpotential bewies, wird er weiterhin zu einem Phantom islamistischer Bedrohung stilisiert und kursiert abgelehnt als solches unkuratiert im massenmedialen Raum.

Auf Einladung internationaler Ausstellungsmacher hin sollte der Cube an folgenden Orten realisiert werden, scheiterte jedoch / On invitation of international curators the Cube should has been realised at the following spots, but eventually wasn´t:

Berlin- New York - London - Paris - Saragossa - Fellbach - Venice - Singapur - Shanghai - Kiev - Neuchatel

Am 27. April um 17 Uhr findet im Martin Gropius Bau Berlin ein Künstlergespräch mit Gregor Schneider statt.

Cultural Speech presents the first solo exhibition of work of the young artist Lucian Wester. His photographs depict the alienating character of contemporary city life, places in the urban environment which remain unnoticed when passing by. Concrete walls, desolate viaducts, and worn-out corners are the subject of his rambles through the city’s periphery. 

© Lucian Wester, Façades, 2011, 112 x 90 cm, colorprint on mat fine art paper

Lucian Wester | Façades

15 April – 26 May 2012
Galerie Cultural Speech, Amsterdam
www.gcs-art.eu 

© Lucian Wester, Façades, 2011, 100 x 120 cm, colorprint on mat fine art paper

PR Text: The photography of Lucian Wester depicts the alienating character of contemporary city life. Wester extricates places in the urban environment which remain unnoticed when passing by. Concrete walls, desolate viaducts, and worn-out corners are the subject of his rambles through the city’s periphery.

Lucian Wester (1986, lives and works in Rotterdam) obtained in 2011 his BA from the St. Joost Academie in Breda. Currently, he is pursuing his MA at the Piet Zwart Institute in Rotterdam. In 2011 he was nominated for the St.Joost Penning. Previously, his work has been showed in the CKE in Eindhoven.